Les 25 meilleurs films de 2023 (jusqu'à présent)

Les meilleurs films de 2023, jusqu'à présent en tout cas, se cachent là où ils se trouvent habituellement. Ce que je veux dire par là, c'est que le fossé familier entre les blockbusters sans enthousiasme et les excellents petits films est de retour en force. Toute hésitation ou préciosité persistante autour des films qui aurait pu peser sur le public après que les pires moments de la pandémie aient mis les cinémas au bord de l'effondrement total a disparu en 2023. Avatar nous a poussés vers les nouveaux films Marvel, qui nous ont vus jusqu'à ce que Mario soit minionisé. Et pourtant, même avec ces incontournables franchises en charge au box-office, le consommateur moyen est plus que jamais sollicité sur les questions de production et de distribution. Le streaming est en difficulté depuis un certain temps, mais maintenant il est devenu si mauvais que les gens dans la rue le remarquent. Cela ne fait pas de mal que les scénaristes et maintenant les Screen Actors Guilds fassent grève pour qu'ils obtiennent ce qu'ils méritent. Alors que les plus grands films tentent de revenir au statu quo, il est plus facile que jamais de le rejeter et d'exiger quelque chose d'un peu différent.

Cela signifie peut-être essayer un nouveau streamer, laisser tomber Max ou Netflix pour MUBI ou Criterion. Peut-être que cela signifie décrocher un billet virtuel ou en personne pour un festival du film. Peut-être que cela signifie frapper le petit théâtre d'art et d'essai aussi souvent que vous amenez les enfants au dernier film Transformers. Quel que soit votre chemin, d'excellents films vous attendent. Nous n'avons peut-être pas encore notre grand succès indépendant de l'année comme Everything Everywhere All at Once, mais nous avons de nouveaux films d'Ari Aster, Kelly Reichardt, Hong Sang-soo, M. Night Shyamalan et Alice Diop. Nous avons des débuts de nouvelles voix passionnantes comme Celine Song, Manuela Martelli et Raine Allen-Miller. Nous avons un nouveau John Wick, un nouveau Spider-Verse et une nouvelle façon de faire sauter un pipeline. Les films sont bons, si vous savez où chercher. Et nous savons où chercher.

C'est ainsi que nous avons rassemblé cette liste des meilleurs films de 2023, classés par ordre alphabétique et prêts à remplir votre liste de surveillance. Pourtant, nous avons laissé tomber un festival de films qui, selon nous, valent la peine d'être recherchés chaque fois qu'ils sont disponibles - des films tels que Killers of the Flower Moon, May December, Problemista, Kokomo City et All Dirt Roads Taste of Salt. Celles-ci suscitent déjà beaucoup d'attention en général ou ont été mises en avant par nous lors de leur sortie à Cannes, Sundance ou SXSW, mais elles ne seront pas diffusées au grand public avant la fin de l'année. Pour ceux-là, vous devrez rester et découvrir comment les choses évoluent à la fin de 2023. Quant aux films qui sont déjà sortis cette année, eh bien, ne laissez personne vous dire qu'ils ne font pas de grands nouveaux films, car cette liste était difficile à réduire à seulement 25.

Voici les 25 meilleurs films de 2023 à ce jour :

AlcarràsDate de sortie : 24 février 2023Réalisatrice : Carla SimónStars : Jordi Pujol Dolce, Anna Otin, Xènia Roset, Albert Bosch, Ainet JounouClassement : NRRDurée : 120 minutes

La famille Solé est souvent étalée dans sa maison, fuyant le stress des récoltes sans fin. Simón ne nous offre surtout jamais une disposition claire de la terre familiale, la capturant dans une série de gros plans, décousus et intimes. Chaque instant est fracturé, exprimant à quel point la famille est devenue disparate, désespérée d'éviter le stress perpétuel qui s'attarde sur chaque conversation à ce moment charnière. Dans une scène particulièrement tendue, Dolors (Anna Otín) masse les nœuds du dos du patriarche bourru Quimet (Jordi Pujol Dolcet), tandis que ses enfants accomplissent leurs propres tâches en s'affairant autour d'eux. Simón choisit de les tenir dans des plans individuels, ne reculant jamais pour les cadrer les uns par rapport aux autres, ne les apercevant que lorsqu'ils s'attardent à l'arrière-plan du gros plan d'un autre. Il s'agit d'une configuration minutieuse, qui équilibre le désir de connexion de la famille - empilé dans un espace confiné - contre l'incapacité de se connecter de manière significative. –Anna McKibbin

Es-tu là Dieu ? C'est moi, MargaretDate de sortie : 27 avril 2023 Réalisateur : Kelly Fremon Craig Stars : Abby Ryder Fortson, Rachel McAdams, Elle Graham, Benny Safdie, Kathy Bates Classement : PG-13 Durée : 111 minutes

S'il y a une certitude au milieu du chaos de la puberté, c'est que vous allez vous sentir incompris. Incompris par tes amis, tes frères et sœurs, ton prof d'éducation sexuelle et surtout par tes parents. En effet, lorsque vous commencez à subir ces changements physiques et émotionnels embêtants, vous avez inévitablement l'impression que personne sur cette planète maudite ne peut comprendre ce que vous traversez - c'est, bien sûr, à moins que vous n'ayez la chance de tomber sur un livre de Judy Blume. Compte tenu du poids que Blume détient pour tant d'enfants et d'anciens enfants, se lancer dans une adaptation cinématographique de l'une de ses œuvres pose un défi. Je suis heureux d'annoncer, cependant, que l'adaptation par Kelly Fremon Craig du roman emblématique de 1970 Are You There, God? C'est moi, Margaret livre presque parfaitement. Margaret suit la jeune Margaret Simon (Abby Ryder Fortson), dont les parents Barbara (Rachel McAdams) et Herb (Benny Safdie) la déplacent dans une nouvelle école du New Jersey pour sa dernière année d'école primaire. Le voyage de découverte de soi de Margaret est une montre fascinante et satisfaisante. Craig fait avancer Margaret à un rythme gratifiant. Sa palette de couleurs pastel ensoleillée, sa comédie intelligente (une scène où Margaret et sa mère discutent de soutiens-gorge d'entraînement mérite une place dans le Comedic Timing Hall of Fame) et ses montages musicaux extatiques font de Margaret une montre exaltante, extatique et stimulante. Alors que Craig cloue la narration et le ton de Margaret, ce film n'atteindrait tout simplement pas une telle intensité et une telle empathie sans la performance stellaire du jeune évasion Fortson. La star en herbe est drôle sans effort et apporte un niveau de maturité étonnant à sa voix off; quand elle lance un commentaire astucieux et "adulte", on a l'impression qu'elle veut vraiment dire et comprend ce qu'elle dit. Alors que Fortson est l'épine dorsale qui maintient Margaret ensemble, elle n'est pas la seule actrice qui apporte quelque chose de délicieux et de délectable à la table. Graham brille, jouant la méchante fille bien intentionnée avec un humour physique magistral et une tendresse surprenante, tandis que McAdams sert de noyau émotionnel à Margaret dans son meilleur rôle majeur depuis un moment. La magnifique performance de McAdams rend la compréhension de Craig sur le livre de Blume encore plus claire : le roman de 1970 n'a jamais été réservé aux jeunes filles. Il a été, et reste, pour des générations et des générations de femmes. C'est la vraie beauté de celui-ci.—Aurora Amidon

Beau a peurDate de sortie : 21 avril 2023Réalisateur : Ari AsterStars : Joaquin Phoenix, Patti LuPone, Nathan Lane, Amy Ryan, Kylie Rogers, Parker Posey, Stephen McKinley Henderson, Hayley Squires, Michael Gandolfini, Zoe Lister-Jones, Richard KindDurée : 179 minutes

Je pouvais me voir beaucoup dans Beau Wassermann perpétuellement surmené de Joaquin Phoenix, qui découvre que le monde qu'il craint est là pour l'avoir vraiment. C'est le pire des cas pour l'archétype du Juif nébuleuse. Beau a peur, c'est comme si un protagoniste de Woody Allen était le personnage de Griffin Dunne dans After Hours de Martin Scorsese, et l'intrigue de ce film était pompée avec des stéroïdes existentialistes. C'est une odyssée paranoïaque, sexuellement réprimée et labyrinthique avec un héros schlubby - un peu comme Under the Silver Lake, un autre film que le distributeur A24 n'avait aucune idée de la façon de commercialiser auprès de son public réclamant, hyper-en ligne et teeny bopper. Et comme After Hours, Beau a peur se joue de la même manière comme une très longue blague. Pour son troisième et le plus ambitieux film (je déteste évoquer des comparaisons avec Magnolia), Aster se penche jusqu'au bout du drôle d'os qu'il avait l'habitude d'exposer dans ses premiers longs métrages apparemment ultra-austères, Hereditary et Midsommar. Dans Beau Is Afraid, Aster a une touche plus légère et plus ludique malgré la durée intimidante de 179 minutes. Aster cultive un monde particulièrement absurde et décalé, conçu méticuleusement par la conceptrice de production Fiona Crombie, dans lequel les motivations des personnages sont erratiques, hilarantes et douteuses. Dans cet univers étrange (dans lequel ce n'est jamais tout à fait clair, ou nécessairement important, quelle est la période de temps), il n'y a jamais de sentiment de sécurité pour le pauvre Beau. Même la maison familiale de banlieue idyllique - qui accueille un Beau en réhabilitation après avoir été heurté par le camion de son propriétaire (un incident bizarre qui a suivi un autre incident bizarre impliquant l'invasion de vagabonds et la baignoire de Beau) - est sa propre maison des horreurs bien entretenue. Beau a peur est vraiment une comédie noire qui utilise des techniques d'horreur bien placées – Aster a une solide maîtrise de la tension et aime balancer sa caméra d'avant en arrière pour créer un sentiment de vulnérabilité. Même les scènes qui prétendent un sérieux mortel se sentent intentionnellement stupides quand on prend du recul et voit la situation dans son ensemble, dans un film qui ne peut s'empêcher de ressembler, à la base, à un bâillon complexe sur la pire réalité possible pour un Juif stéréotypé paranoïaque avec des problèmes de maman. Beau a peur est plus excitant que les premiers et deuxièmes longs métrages d'Aster, et pas seulement parce qu'il est plus ambitieux, un peu lourd et dure trois heures. Il est logique qu'un réalisateur comme Aster fasse de son troisième film une épopée tentaculaire – allant jusqu'à incorporer des séquences d'animation impressionnantes de médias changeants – après la ruée vers l'acclamation initiale. C'est admirable que ce soit désarmant, étrange et profondément pas sérieux, comme pour ébranler les critiques qui lui ont dit le contraire. Tout fonctionne aussi à peu près. Difficile de dire si les détracteurs d'Aster, épuisés par le schtick d'horreur de prestige, seront tournés de l'autre côté par Beau Is Afraid. Il est facile de continuer à accepter son ton pour argent comptant. Mais cela vous amène à vous demander si c'est ce que nous avons fait par erreur depuis le début.—Brianna Zigler

BlackBerryDate de sortie : 12 mai 2023Réalisateur : Matt JohnsonStars : Glenn Howerton, Jay Baruchel, Matt Johnson, Michael Ironside, Cary Elwes, Rich Sommer, Saul Rubinek, SungWon ChoClassement : RRdurée : 119 minutes

Il y a beaucoup à aimer dans le BlackBerry de Matt Johnson, et puis il y a l'attraction gravitationnelle ineffable de son noyau furieux chauffé à blanc : le crâne chauve d'un homme pâle d'une quarantaine d'années, si lisse qu'il semble forgé par des éternités de mouvement tectonique, d'où jaillissent de parfaits mots louches de gars d'affaires des années 80 alliés à une rage sociopathe débridée. Johnson a toujours été au cœur de ses films, jouant dans The Dirties et Operation Avalanche et servant de source de la plupart du chaos qui dirige Nirvanna the Band the Show, sa série avec Jay McCarrol, mais dans BlackBerry, il joue Doug, un gars qui techniquement n'existe même pas. Non, Doug n'est rien dans BlackBerry à côté du tout du film, Glenn Howerton dans le rôle de Jim Balsillie, un vaisseau pour la voix alarmante du co-PDG le plus radioactif du Canada. Des vies se fanent inévitablement dans son orbite. "Je viens de Waterloo, où traînent les VAM-PIRES !" crie-t-il dans une salle de dirigeants de la LNH, chaque syllabe prononcée comme si la phrase était ponctuée de pierres tombales. Basé sur Losing the Signal: The Untold Story Behind the Extraordinary Rise and Spectacular Fall of BlackBerry, le film raconte l'ascension et la chute de la société d'appareils de poche, depuis ses débuts exploités au milieu des années 90 en tant qu'idée originale du timide et toujours introverti Mike Lazaridis (Jay Baruchel) et de son meilleur ami Doug, jusqu'à l'effondrement de l'entreprise à la suite de l'émergence de l'iPhone (et de plus d'une violation de la SEC de la part de Jim). Le directeur de la photographie habituel de Johnson, Jared Raab, tourne le film plus comme DA Pennebaker et le documentaire Clinton de Chris Hegedus, The War Room, que The Social Network, le prédécesseur incontournable de BlackBerry, mais l'objectif de Johnson n'est pas moins semblable à celui d'Icare : faire une pièce d'époque sur la fondation d'une entreprise technologique transformationnelle et dramatiquement tragique avec une performance inimitable et noir comique en son centre. — Dom Sinacola

Saule aveugle, femme endormieDate de sortie:14 avril 2023Directeur:Pierre FöldesÉtoiles:Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-miNotation:NRDurée:100 minutes

Il existe déjà plusieurs adaptations merveilleusement méditatives et soigneusement réalisées des nouvelles de Haruki Murakami – à savoir Burning du réalisateur coréen Lee Chang-dong et Drive My Car de Ryusuke Hamaguchi, lauréat d'un Oscar en 2021 – mais bon nombre des œuvres les plus célèbres de l'icône littéraire japonaise ont longtemps été jugées impropres à la traduction cinématographique. Cela a probablement à voir avec le penchant de Murakami pour l'utilisation d'éléments de réalisme magique. Les scènes vives et souvent fantastiques qu'il crée à travers la prose pourraient facilement apparaître comme maladroites, incongrues ou simplement insatisfaisantes à l'écran, même dans les capacités apparemment illimitées de la technologie VFX moderne. En adaptant plusieurs histoires courtes de Murakami avec des éléments particulièrement surréalistes via l'animation dans Blind Willow, Sleeping Woman, l'écrivain, réalisateur, animateur et compositeur Pierre Földes est capable de distiller de manière évocatrice la séquence mystique qui imprègne les intrigues vaguement connectées, se déroulant à la suite du tremblement de terre et du tsunami de Tōhoku qui a frappé Tokyo en 2011. , Femme endormie. Même les lecteurs occasionnels de Murakami reconnaîtront que The Wind-Up Bird Chronicle, dont le premier chapitre (légèrement modifié) a été initialement publié sous le titre The Elephant Vanishes, est un élément majeur de ce film. Ce n'est pas le seul objectif, mais cela évoque de nombreux détails spécifiques, de la femme disparue de Komura, devenue chaton, à la voisine adolescente curieuse qui lui permet de camper dans son jardin. Bien que le film ne plonge que dans le premier chapitre du roman tel qu'il apparaît dans Elephant, il est difficile d'imaginer un autre film s'attaquant à The Wind-Up Bird Chronicle et réussissant à capturer l'atmosphère à la fois idyllique et accablante que Blind Willow fait si efficacement. Le triomphe et l'attrait de Blind Willow, Sleeping Woman sont dus au style d'animation spécifique utilisé par Földes, qui est une combinaison visuellement intrigante de capture de mouvement et de techniques 2D. Blind Willow, Sleeping Woman est une version rafraîchissante de l'œuvre d'un auteur populaire. Il est également ambitieux en soi, d'autant plus qu'il arrive dans la foulée des adaptations de Murakami susmentionnées qui ont été largement saluées.—Natalia Keogan

Brooklyn 45Date de sortie : 12 mars 2023 Réalisateur : Ted Geoghegan Stars : Anne Ramsay, Ron E. Rains, Jeremy Holm, Larry Fessenden, Ezra Buzzington, Kristina Klebe Classement : NR Durée : 92 minutes

Si vous voulez une preuve de la créativité sans fin présente dans le genre d'horreur, ne cherchez pas plus loin que le film d'horreur à un seul endroit. Il n'est pas surprenant que Ted Geoghegan sache exactement comment réaliser ce genre de film, du moins pas si vous connaissez son précédent film d'horreur surnaturel, le remarquable We Are Still Here. Ce film, bien qu'il ne s'agisse pas d'une histoire à un seul endroit, a fait un excellent usage d'un environnement intime et d'un petit casting pour raconter une histoire émouvante et effrayante de chagrin, de regret et du passé toujours présent. Brooklyn 45 permet à Geoghegan de revenir à des thèmes familiers et à un échafaudage narratif dépouillé, tout en offrant quelque chose de très différent de son succès d'horreur passé. Une pièce d'époque qui fait partie du mystère de la chambre fermée, de l'histoire de fantômes et de la vitrine d'un ensemble glorieux d'acteurs de personnages, c'est un autre triomphe de la narration d'horreur à un seul endroit - et la preuve que Geoghegan ne fait que commencer à nous montrer ce qu'il peut faire. Comme le titre l'indique, le film s'ouvre à Brooklyn une nuit de décembre 1945. La Seconde Guerre mondiale est terminée, mais les blessures de cette grande lutte sont encore très fraîches, en particulier dans le cœur et l'esprit des cinq personnes qui viennent de se réunir. dans une belle pierre brune pour une réunion douce-amère. Des amis de longue date, Marla (Anne Ramsay), Hock (Larry Fessenden), Archie (Jeremy Holm), Paul (Ezra Buzzington) et le mari de Marla, Bob (Ron E. Rains), portent tous des cicatrices de la guerre lorsqu'ils entrent dans l'élégant salon de Hock, mais ce qu'ils ne savent pas encore, c'est la profondeur de ces coupures. Autrefois un chef militaire imposant et la colle de leur groupe d'amis, Hock a été réduit à un gâchis criblé de chagrin, plongeant dans des textes sur la communication avec les morts comme moyen de faire face à la perte de sa femme. Avec ces idées en tête, et son cercle intime de ride-or-die rassemblé autour de lui, il propose un rituel simple pour essayer de gagner un peu de paix : verrouiller les portes du salon, tenir une séance et essayer de contacter sa femme. Cette configuration - et l'élégance simple avec laquelle Geoghegan et sa compagnie la présentent au public - est si joliment présentée et simple qu'elle pourrait presque fonctionner aussi bien qu'une pièce de théâtre. Peut-être avec cette idée en tête, le cinéaste a convoqué un casting de stars engagées et constamment convaincantes pour remplir le salon de la conversation de cette saison des fêtes avec le grand au-delà, et c'est à travers ce casting que Brooklyn 45 construit quelque chose de plus grand qu'un riff sur une configuration d'histoire de fantôme classique. Il y a des échos dans ce film des grands drames d'après-guerre d'Hollywood ainsi que de ses grandes histoires de fantômes, ce qui en fait un mélange surprenant et souvent poignant des meilleures années de nos vies et de The Changeling, et il est remarquable que Geoghegan soit capable de si bien suivre cette ligne.—Matthew Jackson

Chili '76 Date de sortie : 5 mai 2023 Réalisatrice : Manuela Martelli Stars : Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Marcial Tagle Classement : NR Durée : 100 minutes

Des décennies après sa mort, le nom d'Alfred Hitchcock est encore instinctivement utilisé pour décrire des thrillers politiques tendus comme le premier long métrage de Manuela Martelli, Chili '76. Se déroulant 3 ans après qu'Augusto Pinochet a renversé Salvador Allende, le film plonge dans le malaise pendant 90 minutes ; c'est le produit d'une nation actuellement encline à une politique partisane fracturée, comme si Martelli voulait que son public fasse face à la rétrospective historique comme un rappel de ce qui arrive aux démocraties lorsqu'elles attrapent un cas d'hyper-polarisation. Le premier qualificatif approprié pour le Chili 76 que tout le monde devrait atteindre est "urgent". Mais plutôt que "Hitchcockien", le deuxième qualificatif devrait être "Pakulan". Chile '76 partage la même sensibilité atmosphérique malléable que les films d'Alan J. Pakula ; Martelli enracine son intrigue dans le réalisme un moment, puis le surréalisme le lendemain, oscillant entre une authenticité pointue et une paranoïa onirique. Martelli est une optimiste, sa conviction étant que face à la preuve irréfutable d'une véritable tyrannie gouvernementale, le citoyen moyen fera sa part pour renverser le système, même si cela peut signifier se faire disparaître par l'équipe de crétins du président intimidateur. La sensation du film, en revanche, est le soupçon, la notion implacable et écœurante qu'on ne peut faire confiance à personne. Qu'il s'agisse de la bande-son électronique rythmée ou de la photographie de Soledad Rodríguez, composée au point d'étouffer, Chile '76 enfonce cette anxiété comme un couteau dans le cœur.—Andy Crump

How to Blow up a PipelineDate de sortie : 7 avril 2023 Réalisateur : Daniel Goldhaber Stars : Ariela Barer, Kristine Froseth, Lukas Gage, Forrest Goodluck, Sasha Lane, Jayme Lawson, Marcus Scribner, Jake Weary, Irene Bedard Note : R Durée : 100 minutes

Le livre d'Andreas Malm de 2021, How to Blow Up a Pipeline, a vu son argument pour plus d'activisme climatique se transformer en un argument pour un activisme climatique différent. L'argent ne suffit pas. Les protestations non plus. Peut-être que le sabotage le fera. Sa vitalité coule comme un antidote au nihilisme toxique entourant la crise climatique des progressistes ; ses pointes enflammées menacent les piles d'argent croustillantes collectées par les conservateurs. L'adaptation du cinéaste Daniel Goldhaber est le meilleur moyen de convertir les gens à sa cause, qu'il s'agisse d'écologistes vert foncé ou de républicains du Sénat assoiffés d'essence. Adapter un traité de non-fiction sur les limites de la protestation non violente en une fiction spécifique de type braquage est un geste brillant de Goldhaber et de ses co-auteurs Ariela Barer et Jordan Sjol. Dans son exécution d'un plan soigneusement élaboré, maintenu par une chimie explosive et interpersonnelle, il nous plonge dans sa philosophie visuelle palpitante. How to Blow Up a Pipeline n'est pas assez naïf pour s'appuyer sur l'optimisme, optant plutôt pour la radicalisation des compétences. Pensez à Comment faire exploser un pipeline comme un problème de mots. Le problème de mots le plus excitant que vous puissiez imaginer, où les deux trains quittant la gare se heurtent dans un grondement d'acier explosif, vos proches à bord ne sont sauvés que par une réflexion rapide et un travail d'équipe. How to Blow Up a Pipeline contextualise ses concepts en actions afin que nous puissions mieux les comprendre, les intérioriser et nous identifier à eux. Il n'y a pas un instant perdu pour nous y rendre. Les chapitres de Malm ("Learning from Past Struggles", "Breaking the Spell" et "Fighting Despair") sont élégamment transposés, leurs arguments de haut niveau humanisés dans le personnage et la conversation. L'ensemble - dirigé par les manifestants étudiants Xochitl (Barer) et Shawn (Marcus Scribner), dont le plan rassemble de manière organique Michael (Forrest Goodluck), le constructeur de bombes autochtone hargneux, le couple crustpunk excité Rowan (Kristine Froseth) et Logan (Lukas Gage), Theo (Sasha Lane) en phase terminale et sa petite amie réticente Alisha (Jayme Lawson), et le propriétaire terrien désabusé Dwayne (Jake Weary) - est coloré et complété par des flashbacks avisés et bien coupés. Chacun a ses raisons, et nous avons le dos de tout le monde. En structurant son intrigue simple (faire sauter un putain de pipeline) en zigzag, How to Blow Up a Pipeline construit son équipe sans s'essouffler. Il est aussi efficace et réfléchi dans sa planification que ses héros, et les résultats sont tout aussi réussis. C'est aussi satisfaisant que n'importe quel bon travail dans une banque, sauf que cela vole un peu plus de temps sur cette planète aux entreprises qui cherchent à brûler la terre. Répondre à la tragédie non pas avec désespoir mais avec compétence, ce n'est pas un film rêveur ou délirant. Il sait que son sabotage n'a pas lieu dans le vide. Il comprend que les gens sont blessés. Ce qui rend How to Blow Up a Pipeline génial, c'est qu'il nous gagne si habilement à sa cause de toute façon. C'est du cinéma absolument électrique.—Jacob Oller

Piscine à débordementDate de sortie:27 janvier 2023Directeur:Brandon CronenbergÉtoiles:Alexander Skarsgard, Mia Goth, Cleopatra Coleman, Jalil LespertNotation:RDurée:117 minutes

Battements de cœur et éjaculations sont l'alpha et l'oméga des vacances de Brandon Cronenberg dans l'enfer du Lotus Blanc, où les touristes desserrent leur col et lâchent leur cervelle de lézard. Le système limbique et les processus biologiques les plus élémentaires de la vie dominent Infinity Pool, la descente du cinéaste dans un monde visqueux, sexy et terrifiant où la mort n'est qu'un jeu parmi d'autres pour les riches. Il s'agit d'une satire éclair d'absurdités occidentales, démantelant les ravages que notre croûte supérieure de destination fait sur d'autres cultures et la fausse illumination mystique colportée par les gourous et les imbéciles de Goop - ceux qui sont trop riches pour avoir de vrais problèmes, ceux qui aspirent à atteindre ce statut et ceux qui profitent des deux de manière lucrative. Dans ce procès tropical, ils se renversent, pour toujours et à jamais. La mort de l'ego n'a rien à voir avec la station brillamment déformée de Brandon Cronenberg. L'appât suspendu et juteux n'est pas subtil : un couple apparemment normal approché par des Européens bizarres (probablement en train de se balancer) mène toujours à des ennuis. Nous serions idiots de ne pas nous méfier de Gabby (Mia Goth) et Al (Jalil Lespert) lorsqu'ils se présentent à leur couple de compagnons d'hôtel, James (Alexander Skarsgård) et Em (Cleopatra Coleman). L'un d'eux est joué par Mia Goth, ce qui est un signe certain pour revenir dans votre chambre et retourner le panneau "ne pas déranger". Mais James est un romancier, avec un mauvais livre à son nom (The Variable Sheath, un faux titre fantastique) qui n'a été publié que parce qu'il a épousé la fille du riche éditeur. Le fandom proclamé de Gabby touche la partie de son ego qui est presque ratatinée et réduite en poussière – il est faible, il en a faim, il est la cible parfaite. Lorsque les Blancs font inévitablement quelque chose d'irréversiblement horrible aux habitants de Li Tolqa, leur aliénation non préparée dans leur culture est troublante et hilarante. Ils ne parlent pas la langue et ne peuvent pas lire les formulaires que les flics leur demandent de signer. Mais c'est plus étrange que cela. Une conception de production brillante, un repérage et une cinématographie vous enferment dans une panique nocturne. Entrer trop profondément dans ce qui se passe exactement dans Infinity Pool, c'est comme décrire le bord de recirculation de la construction de son titre qui bafoue l'horizon. Cela n'enlèvera rien à ses plaisirs, mais vous ne pouvez pas vraiment comprendre tant que vous n'y êtes pas. Jusqu'à ce que Cronenberg vous conduise sur une route secondaire non éclairée, assez longtemps pour que vous commenciez à vous demander si vous rêvez ou si vous êtes éveillé. Mais ce qui est le plus clair dans cette comédie de potence, c'est que ses personnages existent. Les gens qui pensent avoir résolu la réalité, la classe prétentieuse avec le luxe d'être excitée par la mort, parce que la mort n'a jamais été réelle pour eux. La critique inspirée par Infinity Pool de cette foule est féroce et amusante, ses hallucinations agiles et collantes, et son cauchemar englobant dont vous vous souviendrez sans avoir besoin de sortir le diaporama de vacances.—Jacob Oller

John Wick : Chapitre 4Date de sortie : 24 mars 2023Réalisateur : Chad Stahelski Stars : Keanu Reeves, Donnie Yen, Ian McShane, Bill Skarsgård, Shamier Anderson, Clancy Brown, Laurence Fishburne, Hiroyuki Sanada, Rina Sawayama, Lance Reddick, Scott Adkins Note : R Durée : 169 minutes

Au début de John Wick: Chapitre 4, notre titulaire Baba Yaga – joué par Keanu Reeves après une décennie en tant que moine terminateur presque muet, sa robe monastique un beau costume trois pièces pare-balles et sa tonsure une crinière graissée la couleur de la nuit – est toujours caché après le cliffhanger du chapitre 3. Bien sûr, une prime sans cesse croissante sur sa tête ne l'a pas empêché de continuer à assassiner beaucoup de gens, y compris l'aîné (George Georgiou), qui n'est pas le même aîné du chapitre 3, car, comme l'explique ce nouvel aîné, il a tué le dernier gars et a pris le relais, comme l'aîné l'a fait avant ce gars-là, et l'aîné avant que ce gars-là l'ait fait au gars avant ce gars-là. La hiérarchie alambiquée du John Wick Murderverse n'existe que pour se multiplier et devenir plus alambiquée: au chapitre 2, personne ne s'est assis au-dessus de la table haute, à l'exception, comme introduit au chapitre 3, de l'aîné, qui est assis au-dessus et à côté, mais a apparemment sa part de problèmes. Tout comme les membres de la table haute sont sensibles à la rivalité fraternelle sociopathe (voir chapitre 2), il y aura toujours un autre ancien à tuer, une autre guerre personnelle à mener, un autre homme de main à tirer à plusieurs reprises dans le visage. "Personne, pas même John Wick, ne peut tuer tout le monde", entend-on dire d'un ton émerveillé. Mais non, il doit tuer tout le monde. C'est ce que nous voulons et c'est ainsi que cela se termine, comment John Wick peut être libre : il tue le monde entier. Si le chapitre 3 a commencé immédiatement après le chapitre 2, abandonnant rarement sa formule de jeu vidéo à mesure que les niveaux devenaient plus difficiles et que les méchants devenaient plus immunisés contre la superpuissance de John Wick (meurtre), alors le chapitre 4 est l'entrée la plus délibérée de la franchise à ce jour. Avec trois films d'enjeux et de construction du monde derrière lui, le dernier opus hyper-violent de Chad Stahelski est un chef-d'œuvre moderne d'indulgence mythique et de cinéma d'action archétypal. Stahelski et Reeves savent que leur film doit inhaler les genres, les superstars, les mannequins, les chanteurs, les lauréats des Oscars et les icônes des arts martiaux, la télévision numérique et le prestige ; consommez-les et donnez-leur de l'espace pour être sacrifiés glorieusement à une franchise qui les valorise. Voici Donnie Yen – qui se sent absolument à l'aise dans le Murderverse – mais aussi Hiroyuki Sanada et Rina Sawayama et Clancy Brown et Scott Adkins, ce dernier ayant reçu un long décor à couper le souffle qui est à la fois une folie à mâcher et un affichage physique attendu d'Adkins. Tout est patient et omnivore et au-delà du ridicule. Stahelski manie des corps pour les pousser à des fins divines. Tout à l'écran est magnifique. C'est ce que nous voulons, voir John Wick assassiner le monde entier, pour toujours et à jamais. — Dom Sinacola

Frappez à la cabineDate de sortie:3 février 2023Directeur:M. Night ShyamalanÉtoiles:Dave Bautista, Jonathan Groff, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Kristen Cui, Abby Quinn, Rupert GrintNotation:RDurée:100 minutes

Knock at the Cabin a une tournure que le public ne verra pas venir, ne serait-ce que parce qu'il défie ce que les gens ont appris sur le réalisateur M. Night Shyamalan. C'est une torsion, mais ce n'est pas le cas, mais c'est le cas, mais ce n'est pas non plus. Mais dans Frapper à la cabane, adapté du roman La Cabane du bout du monde de Paul Tremblay, il s'agit moins de la destination que du voyage. Un film préoccupé par l'utilisation fréquente de conversations rapprochées intimes, tournées / inversées, Knock at the Cabin s'ouvre sur une entre Leonard (Dave Bautista) et Wen (Kristen Cui - pas Haley Joel Osment, mais elle va plutôt bien). Leonard porte la silhouette imposante de Bautista, mais Bautista sait se gérer avec douceur. Il a la voix douce et chaleureuse, et a une tendresse implicite dans sa présence semblable à un gros animal en peluche. Accompagnés de deux femmes, Adriane (Abby Quinn) et Sabrina (Nikki Amuka-Bird), et d'un homme impétueux nommé Redmond (Rupert Grint, dont le premier rôle en huit ans prouve qu'il est une force de la nature), Leonard et son groupe entrent de force dans le logement Airbnb de Wen et de ses pères adoptifs, Andrew (Ben Aldridge) et Eric (Jonathan Groff). Les groupes étaient unis par des visions partagées d'une apocalypse à venir qui entraînera la fin de l'humanité, et la seule façon de l'arrêter est si cette famille particulière fait le choix de sacrifier l'un d'eux volontairement. Knock at the Cabin est peut-être le film de 100 minutes le plus rapide jamais réalisé. Dès la séquence d'ouverture calme et méditative - le dernier moment de normalité dans la vie de Wen - le film est propulsé vers l'avant avec un sentiment d'urgence parallèle à celui du groupe apocalyptique. Même dans les moments de calme, il y a un élan constant, tendu et revigorant vers l'avant. Si vous êtes un fan de Shyamalan ou si vous connaissez simplement son style, vous êtes habitué aux "dialogues que les vraies personnes ne diraient pas" et aux "actions que les vraies personnes ne feraient pas". C'est une plainte souvent portée contre les films de Shyamalan par ses opposants, mais ce n'est pas une déficience créative. C'est juste une partie du langage cinématographique de Shyamalan, qui fonctionne dans une sorte d'irréalité qui donne la priorité à l'histoire, à l'émotion et au thème plutôt qu'à la logistique pédante dans le dialogue. À ce stade, soit vous êtes avec, soit vous ne l'êtes pas. Et si vous l'êtes, Knock at the Cabin pourrait être considéré comme le meilleur travail de carrière.—Brianna Zigler

M3GANRate de sortie : 6 janvier 2023 Réalisateur : Gerard Johnstone Stars : Allison Williams, Violet McGraw, Amie Donald, Jenna Davis, Ronny Chieng, Brian Jordan Alvarez, Jen Van Epps Classement : PG-13 Durée : 102 minutes

Bien avant que M3GAN n'arrive en salles, le cyborg titulaire du film, qui peut être décrit comme un mélange de Renesmee de Twilight (si elle était une sadique enragée) et une Baby Annette yassifiée, est devenu une sensation virale. Un peu miraculeusement, M3GAN parvient à être à la hauteur de sa publicité spectaculaire. (Bien que rétrospectivement, ce nouveau triomphe dans le camp d'horreur ne devrait pas être si surprenant, car James Wan et Akela Cooper de Malignant, AKA les personnes qui nous ont donné cette scène l'année dernière, ont co-écrit le film). Après avoir perdu ses deux parents dans un tragique accident de voiture, la jeune Cady (Violet McGraw) emménage avec sa tante Gemma (Allison Williams), roboticienne d'une entreprise de jouets en partie responsable de PurrpetualPetz : des animaux en peluche qui ont des dents d'humain et qui, entre autres, chient. Réalisant qu'elle n'est pas équipée pour s'occuper d'un jeune, Gemma se donne pour mission de terminer la construction de M3GAN - ou Model 3 Generative Android - un robot conçu spécifiquement pour être la meilleure amie la plus fidèle de votre enfant. Bientôt, M3GAN commence à prendre sa programmation "protéger Cady à tout prix" un peu trop littéralement (qui aurait pu voir cela venir ?), entraînant une série de séquences de violence sombres et comiques, dont l'une peut ou non impliquer la poupée parlante brandissant avec zèle un pistolet à clous. M3GAN est plus qu'une simple entrée solide dans ce sous-genre d'horreur. Je pourrais même être assez audacieux pour dire que c'est le nouveau classique du camp d'horreur, et M3GAN l'une des plus grandes icônes d'horreur de ces dernières années. M3GAN, un peu miraculeusement, perfectionne le ton de la comédie d'horreur, capable de suivre constamment la ligne du trop idiot - du timbre passif-agressif, condescendant et maladif de M3GAN (cloué par Jenna Davis, la fille "penny nickel dime" de Vine), à ​​sa perruque blonde en lambeaux - sans jamais la traverser. L'exploit le plus impressionnant de M3GAN, en fin de compte, est qu'il nous donne exactement ce que nous voulons sans sacrifier la grandeur dans le processus. Et oui, ce que nous voulons, c'est une poupée breakdance et meurtrière. Est-ce un tel crime ? — Aurora Amidon

D'un âgeDate de sortie:17 février 2023Directeur:Goran StolevskyÉtoiles:Elias Anton, Thom Green, Crochet HattieNotation:RDurée:114 minutes

Les souvenirs mélancoliques d'anciennes flammes - et l'intrigue romantique palpable qu'ils ont d'abord évoquées - sont poussés à des sommets cinématographiques sensuels dans Of an Age, le deuxième long métrage du cinéaste macédonien-australien Goran Stolevski. Une suite quelque peu inattendue de tendresse et de sensualité à ses débuts d'horreur folklorique You Won't Be Alone, ce film développe davantage les thèmes de l'assimilation forcée, des douleurs de croissance des adolescents et de l'acte de présenter constamment différents visages au monde. Bien sûr, l'expérience queer est en soi un état de changement de forme incessant jusqu'à ce que l'on atterrisse dans la bonne peau - une tâche presque impossible pour un adolescent des années 90 à Melbourne, en Australie, qui vit avec des membres homophobes de sa famille élargie d'immigrants serbes. Nous sommes en 1999 et Kol (Elias Anton), danseur de salon de compétition de 17 ans, se lève tôt pour se préparer au tournoi final tant attendu plus tard dans l'après-midi. Les espoirs d'une matinée relativement sans stress sont anéantis sans ménagement lorsqu'il reçoit un appel frénétique de sa meilleure amie et partenaire de danse Ebony (Hattie Hook), qui s'est évanouie après une dure nuit de fête et n'a aucune idée de la plage sur laquelle elle s'est réveillée. En consultant frénétiquement une carte tout en essayant de trier un plan de match, les deux décident finalement d'enrôler le frère aîné d'Ebony, Adam (Thom Green) pour une aide clandestine sans alerter leur mère. Il prend Kol dans sa berline convenablement carrée, et après avoir appris à se connaître pendant leur trajet, ils finissent par trouver une ébène humide et sablonneuse assise dans une cabine téléphonique éloignée. Kol n'a pratiquement aucun espoir de revenir à temps pour son concours de danse, mais il a semblé acquérir un prix de consolation beaucoup plus beau. Le film est imprégné du genre d'attitude nostalgique qui a tendance à pencher vers une sentimentalité digne de grincer des dents, mais permet ici à la relation entre Kol et Adam de se sentir d'autant plus réaliste et enracinée dans l'expérience vécue du réalisateur. Alors que la fin du film semble un peu abrupte et ringarde, Of an Age offre des performances phénoménales et une vérité centrale saillante (si sombre). Il n'est jamais sage d'anticiper une révélation qui changera la vie de retours à la maison au hasard, en particulier lorsque vous aspiriez à une connexion qui était éphémère depuis le décalage. En fin de compte, cependant, la raison l'emporte rarement sur les romantiques. Même après avoir été témoin de cet exercice cinématographique de recul, je parierais qu'aucun spectateur ne réussira à éliminer sa propre tendance à ruminer les possibilités infinies des passions passées.—Natalia Keogan

Other People's ChildrenDate de sortie : 21 avril 2023 Réalisatrice : Rebecca Zlotowski Stars : Virginie Efira, Roschdy Zem, Chiara Mastroianni, Callie Ferreira-Goncalves, Michel Zlotowski, Yamée Couture, Victor Lefebvre Durée : 104 minutes

La réalisatrice française Rebecca Zlotowski aborde le sujet d'une "horloge biologique" et des pressions sociales qui l'entourent avec grâce et légèreté, sans aucun doute impactée par sa propre expérience de femme sans enfant dans la quarantaine. Son film Other People's Children ne se concentre pas simplement sur une femme qui évalue ses options en ce qui concerne la perspective de la maternité; il illustre également les innombrables façons dont nous pouvons favoriser des liens authentiques et compatissants avec les enfants, en particulier ceux qui agissent en dehors de l'étiquette "parent". La quadragénaire Rachel (une éblouissante Virginie Efira) est une enseignante de lycée à Paris qui, de toute évidence, vit sa meilleure vie. Elle entretient une relation assez amicale avec son ex-mari (Henri-Noël Tabary), est dévouée à son père (Michel Zlotowski, le père du cinéaste qui est apparu dans quelques-uns de ses premiers films) et sa sœur Louana (Yamée Couture) et a récemment commencé à apprendre à jouer de la guitare. C'est au cours d'un de ses cours hebdomadaires qu'elle sort enfin boire un verre avec Ali (Roschdy Zem), un camarade de classe dont la présence a encouragé l'assiduité parfaite de Rebecca. Il la fait rire, ils s'entendent bien et finissent par devenir amants. Alors que leur relation s'intensifie, Ali parle à Rachel de sa fille de 4 ans, Leila (Callie Ferreira-Goncalves), dont il a la garde complète. Fait intéressant, Zlotowski elle-même est tombée enceinte de manière inattendue pendant la réalisation de ce film, un fait qui rend la lutte centrale des enfants des autres d'autant plus fascinante et poignante. Drôle, franc et n'adoptant jamais un point de vue fataliste, Other People's Children s'enracine dans un spectre complet d'émotions humaines (bien que largement féminines) qui concernent la future parentalité. Sa sensibilité profondément française (nudité humoristique, plans gratuits de la tour Eiffel et plusieurs scènes de café/bistro) n'est renforcée que par l'identité juive de Rachel et de sa famille, mais la relation entre elle et le fier arabe Ali ne sert jamais de fourrage pour les observations milquetoast de la différence religieuse (Dieu sait que les Européens ne peuvent généralement pas résister à ces enquêtes souvent tièdes). Associées au film vital d'Audrey Diwan Happening de l'année dernière, les réalisatrices françaises créent un canon nécessaire de la féminité sans enfant, passée et présente, assurée et incertaine.—Natalia Keogan

Vies passéesDate de sortie : 2 juin 2023 Réalisateur : Celine Song Stars : Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro Classement : PG-13 Durée : 106 minutes

Nommé en partie pour inyun - un concept coréen englobant le destin, l'intention et la conséquence, comme un effet papillon qui relie la réincarnation - La romance douce-amère de Past Lives rappelle les navires de Longfellow qui passent dans la nuit. Non pas parce que la relation de plusieurs décennies entre Nora de Greta Lee et Hae Sung de Teo Yoo est sans conséquence, mais parce qu'elle est conséquente malgré sa brièveté et son opacité émotionnelle. Il nous rappelle qu'il est possible de rencontrer de la magie, évoquée par le flux des actions quotidiennes, lorsque nous croisons plusieurs fois des gens le long des rivières entrelacées de nos vies. Cela nous rappelle qu'attacher sa vie à celle de quelqu'un d'autre pour braver le courant ensemble est un acte de persévérance provocante. S'inspirant d'une longue tradition de romances ardentes, tout en mettant en valeur les capacités uniques de la première scénariste / réalisatrice Celine Song avec une écriture précise et une mise en scène délicate, Past Lives coule de décennie en décennie avec facilité, englobant l'immigration, le passage à l'âge adulte et l'ennui créatif et romantique - seulement pour atteindre une acceptation déchirante de notre exquise incapacité à tout avoir. Nora n'est pas vraiment prise entre l'Est et l'Ouest, tout comme elle n'est jamais vraiment prise entre son béguin d'enfance Hae Sung et son mari Arthur (John Magaro). Chaque fois que nous la rencontrons - que ce soit en tant qu'enfant, sur le point de quitter Hae Sung et la Corée, ou en tant que vingtenaire se connectant avec lui sur Skype, ou en tant que femme mariée organisant sa visite à New York - elle a fait ses choix, ou les a fait faire pour elle. La poussée thématique la plus forte de Song alors qu'elle navigue dans les trois actes du film - couvrant l'enfance, la solitude, la reconnexion, la perte et la reconnexion de Nora - est que ce n'est pas exceptionnel. S'inspirant de sa propre expérience et d'un sens aigu de la psychologie, Song écrit des conversations intelligentes, contenues et dans une boîte à bijoux. Ils peuvent avoir la maladresse hésitante et ravivante de Yi Yi, ou – grâce à une utilisation efficace de la coiffure et de la garde-robe (ainsi que la posture et le comportement de ses protagonistes) – la mélancolie ambulante des méditations de Richard Linklater sur le temps qui passe. Mais ils permettent tous à Lee et Yoo (tous deux dans des performances de star) une profondeur tranquille. Past Lives est un début puissant et délicat, un beau collier enfilé de souvenirs cristallisés. Ses idées sur l'amour et le temps, et sur l'impact de l'un sur l'autre, sont simples et vous traversent le cœur. Il s'agit de toutes les personnes potentielles que nous aurions pu être, et du fait qu'aucune d'entre elles n'a autant d'importance que la personne que nous sommes - et la course idiote d'essayer de comprendre ce que nous serions si nous nous bricoler différemment. Il vaut mieux laisser ces possibilités dans le passé. En plus d'annoncer Song comme un brillant observateur du dialogue, de l'interaction et du ton, Past Lives est un film étonnamment romantique sur ce qui compose nos vies. Nous sommes les décisions que nous prenons et les décisions que les autres prennent pour nous. Mais nous sommes aussi la collection de connexions que nous établissons, des journaux de bord vivants, consciencieusement consignés. Chaque rencontre répétée est un petit miracle, et chaque première rencontre a ce potentiel. Et il peut y avoir de l'amour dans chacun, aussi bref soit-il.—Jacob Oller

Voie de seigleDate de sortie:31 mars 2023Directeur:Raine Allen MillerÉtoiles:David Jonsson, Vivian Oparah, Simon Manyonda, Benjamin Sarpong-Broni, Poppy Allen-QuarmbyNotation:NRDurée:82 minutes

Une partie de la joie de faire une comédie romantique consiste à réimaginer les enjeux d'une histoire, à remettre en cause ce qui est réputé cinématographique. Plutôt que le terrain traditionnel des blockbusters, vous tracez les retombées les plus familières d'un malentendu relationnel. Les comédies romantiques sont liées par la relatabilité, et les vraies grandes comédies romantiques comprennent que cette relatabilité découle de la spécificité. Là où de nombreux exemples récents de ce genre échouent, c'est en esquivant ce degré de spécificité, effrayé d'ancrer un public dans la monotonie du quotidien. Rye Lane se penche sur cette monotonie perçue, animant tout avec la promesse d'un nouvel amour. Rye Lane se déroule au cours d'une journée, suivant Dom (David Jonsson) et Yas (Vivian Oparah) alors qu'ils errent dans le sud de Londres, concoctant de nouvelles façons de plus en plus ridicules de passer du temps ensemble. Ils utilisent des points de repère locaux comme un ensemble de tremplins interpersonnels, se guidant mutuellement à travers les ruines physiques de leurs propres histoires romantiques. Tout est capturé dans des couleurs vives et lumineuses, reflétant la joie enfouie dans chaque recoin de cette ville. Mais la palette de couleurs n'est qu'un moyen pour le réalisateur Raine Allen-Miller de naviguer dans la dynamique ludique de Dom et Yas. Elle met en scène des configurations élaborées pour intensifier leur relation naissante : un cinéma plein de plusieurs Doms, encourageant Yas avec passion alors qu'elle recrée sa récente rupture, est à la fois une blague amusante et un rythme de personnage constructif, montrant deux personnes qui se lient sur une façon commune de faire face. Allen-Miller expérimente la mise au point et l'angle de la caméra, basculant entre les extrêmes de l'objectif fish-eye et les plans larges pour capturer la texture floue et animée de la ville. Leur histoire d'amour est consacrée à recontextualiser leur environnement, à entendre une conversation embarrassante et à rechercher le regard amusé de l'autre, à acheter des burritos à l'étal de Brixton et à laisser l'autre commander pour vous. Chaque nouvel emplacement est une passerelle vers la compréhension de l'autre personne, une invite pour une nouvelle histoire. De cette façon, Rye Lane construit un cadre amoureusement transportant. Grâce à la spécificité de Rye Lane et au souci de sa relation centrale, Allen-Miller a réalisé l'une des meilleures comédies britanniques - certainement l'un des meilleurs films londoniens - de la dernière décennie. - Anna McKibbin

Saint OmerDate de sortie : 13 janvier 2023Réalisatrice : Alice DiopStars : PG-13Durée : 122 minutes

Dans la commune balnéaire largement blanche de Berck-sur-Mer, nichée à l'extrême nord de la France, le professeur de littérature Rama (Kayije Kagame) se démarque. C'est principalement une question de couleur de peau, une noix de pécan riche et sans défaut en contraste frappant avec les habitants de la ville aux teintes d'avoine. Mais il y a aussi le fait de sa dimension, sa silhouette sculpturale. Lorsqu'elle arrive pour la première fois à Berck, les gens tournent la tête. Dans le meilleur des cas, la beauté d'acier de Rama les laisse stupéfaits. Au pire, ils la voient simplement pour sa noirceur. Le statut d'outsider de Rama est au cœur de son rôle dans Saint Omer, le dernier film de la cinéaste sénégalaise Alice Diop et une rupture avec son mode traditionnel de documentariste. Comme A Couple de Frederick Wiseman, Saint Omer soude la fiction au fait ; il est basé sur le terrible cas de Fabienne Kabou, qui en 2016 a été jugée pour avoir laissé son enfant de 15 mois à sa mort sur la plage à marée haute. Diop a assisté au procès et l'expérience l'a clairement impressionnée. Saint Omer voit le crime de Kabou et l'histoire qui se déroule dans son sillage à travers les lentilles de la maternité et de la fille, arguant qu'aucun ne peut être dissocié de l'autre. Comme Diop, Rama se rend à Berck pour assister au procès d'une femme accusée du meurtre de son enfant de 15 mois ; ici, ce personnage est Laurence Coly (Guslagie Malanga), étudiante et immigrée sénégalaise. Et comme Diop, Rama a l'intention de façonner la transgression de Laurence en fiction narrative, comme un récit de l'histoire de Médée. Non pas que Saint Omer traite Laurence de monstre, bien sûr. Diop décortique couche après couche d'humanité dans le film, confrontant l'acte horrible de Laurence de front et les yeux clairs tout en épargnant ses jugements à travers des œillères. Il existe une version de Saint Omer où l'horreur du sujet fait place à l'horreur comme genre ; Diop a plutôt opté pour une interprétation directe d'une tragédie nauséabonde, où la seule chose plus difficile à avaler que l'infanticide est la réalisation qu'il y a très peu de choses que quiconque accablé par les doutes de Rama peut faire, mais apprendre à vivre avec eux. – Andy Crump

Showing UpDate de sortie : 7 avril 2023 Réalisateur : Kelly Reichardt Stars : Michelle Williams, Hong Chau, Judd Hirsch, André Benjamin, Heather Lawless, Amanda Plummer Classement : R Durée : 108 minutes

Deux ans après sa touchante première vache en salles, Kelly Reichardt ne s'éloigne pas du cadre du nord-ouest du Pacifique où se déroulent quatre de ses autres films. Cette fois, elle échange le comté de l'Oregon du XVIIe siècle contre l'actuel Oregon College of Art and Craft à Portland, où sa principale exaspérée, Lizzie (Michelle Williams), travaille comme un travail de jour. Lorsqu'elle ne travaille pas, Lizzie crée des portraits étranges et rigides de femmes dans des poses disjointes, que ce soit à l'aquarelle sur papier ou en argile tangible, ce dernier étant le médium qu'elle a choisi de présenter dans une prochaine exposition. Mais avant que Lizzie puisse arriver à son grand jour, elle doit naviguer dans un tourbillon de chaos : sa famille dysfonctionnelle ; la relation conflictuelle avec son propriétaire, voisin et collègue artiste, Jo (Hong Chau); et un pauvre pigeon blessé que son chat, Ricky, a tourmenté une nuit. Dans sa quatrième collaboration avec Reichardt, Williams est meilleure que jamais. Peut-être exagérée dans le maquillage de femme ordinaire assiégée cette fois-ci, Williams montre encore mieux à quel point elle peut être une actrice vécue dans le travail de Reichardt. Chaque soupir qu'elle pousse se sent tiré vers le bas par des poids, son affaissement fait mal à regarder; son épuisement rebondit sur l'écran et infecte le public comme une maladie. Et malgré son cabotinage pour ne pas ressembler à une actrice, c'est d'abord dans le physique de son jeu et la candeur de ses dialogues qu'elle est crédible dans le rôle de Lizzie, artiste en difficulté. Il n'y a jamais un moment où Michelle Williams glisse à travers la performance. Mais elle est aussi étonnamment drôle, avec Reichardt et son co-scénariste Jonathan Raymond écrivant un certain nombre de lignes rendues comiques dans l'impasse parfaite de Williams. Lizzie frappe comme le nouveau sommet de la relation toujours fructueuse de Williams et Reichardt, chaque tranche depuis 2008 Wendy et Lucy un autre échelon atteint dans lequel les deux ont encore creusé la synchronicité entre l'artiste et la muse. Comme les personnages inégaux de Lizzie, la caméra de Reichardt se fixe sur des parties du corps obscurcies et des zooms saccadés alors qu'elle suit Lizzie travaillant vers sa soirée d'ouverture au milieu d'une série de revers presque comiques. Cependant, la ligne directrice qui bourdonne à travers tout le maelström de la vie de Lizzie est l'insécurité créative. Cela se voit dans la façon dont Lizzie se comporte, comment elle parle de son art et comment elle parle aux autres. C'est la touche légère et minimaliste de l'atmosphère de Reichardt et sa culture des subtilités interpersonnelles qui engendrent une intensité émotionnelle écrasante alors que Lizzie installe enfin son travail dans la galerie. Une seule petite rangée de personnages au milieu d'un grand espace vide.—Brianna Zigler

Smoking Causes CoughingRelease Date: March 31, 2023 Director: Quentin Dupieux Stars: Gilles Lellouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, Grégoire Ludig, Doria Tillier, Jérôme Niel, Blanche Gardin, Alain Chabat, Benoît Poelvoorde Rating: NR Runtime: 80 minutes

Après une demi-décennie consacrée à la bêtise de haut niveau, comme la tragi-comédie géante Mandibles et le thriller en cuir Deerskin, Dupieux suit ses impulsions les plus ridicules en laissant l'anthologie d'horreur de minuit rester jusqu'au samedi matin, mélangeant gore et éclats de rire dans une comédie aimable et venteuse. The Tobacco Force, un supergroupe de "vengeurs" habilités par des cancérigènes, compose l'ensemble d'encadrement du film. Une parodie de tokusatsu à la Power Rangers, ils ressemblent à Danger 5 de Dupieux – une satire rétro de la forme qui se délecte de la façon dont une grande partie de son matériel source juvénile est désespérément adulte. Là où Danger 5 a fait des gags courants sur le sexisme et le complot répétitif de la série d'espionnage / d'aventure, Smoking Causes Coughing utilise des couleurs éclatantes et de fréquentes éclaboussures de sang pour son équipe héroïque. Mais Smoking Causes Coughing évite de répéter les coups conscients de The Boys ou The Suicide Squad contre les costumes moulants, l'immaturité renforcée ou les complots de méchants fous en évitant complètement la prise de conscience. Au lieu de cela, il se penche sur l'esthétique de la pulpe low-fi de la télévision bon marché et le clown maladroit particulier à la marque d'incompétence comique de Dupieux. C'est dans la bêtise inoffensive que prospère Dupieux. Fumer provoque la toux joue sur ces points forts, étant à la fois sublimement stupide et imprévisible, addictivement léger. La comédie entre et sort de ses histoires imbriquées sans se soucier du monde, se sentant comme une vitrine lâche pour toutes les idées loufoques et adjacentes à l'horreur que Dupieux avait sur la pandémie. Parce que les super-héros qui racontent ces histoires sont eux-mêmes des dessins animés étranges et rabougris, leurs fables horribles sont décidément plus absurdes qu'autre chose; pense Drunk History mais pour avoir transformé les divagations d'un petit enfant en courts métrages sanglants. L'un se concentre sur un casque améliorant la pensée qui pousse son porteur à, logiquement, attaquer ses amis doofus. Un autre, raconté par un barracuda qui parle inexplicablement, implique la meilleure blague sur les déchiqueteuses de bois depuis Fargo. Le fil conducteur reliant ces contes du dorkside est un dialogue slangish et intentionnellement insuffisamment cuit qui souligne la discorde entre le contenu horrible et la livraison enfantine. Naturellement, Fumer provoque la toux est trop décontracté pour être bien plus qu'une longue pause-cigarette à partir des absurdités les plus lourdes de l'usine. Mais pour ceux qui ont un sens de l'humour surréaliste, raccrochez le panneau "partir déjeuner" et profitez de votre dose de comédie française de 80 minutes mandatée par le syndicat.—Jacob Oller

Spider-Man : Across the Spider-VerseDate de sortie : 2 juin 2023 Réalisateur : Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson Stars : Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Oscar Isaac, Issa Rae, Jason Schwartzman Classement : PG Durée : 136 minutes

Spider-Man: à travers les toiles de Spider-Verse, son chemin dans un monde beaucoup plus blasé, un monde bourré de suites de super-héros, et plus particulièrement de narration multivers. Et pourtant, Spider-Man: Across the Spider-Verse arrive et, encore une fois, essuie le sol avec ses frères de genre en présentant une suite à la fois cinétique et profondément émotionnelle. Le scénario de Phil Lord, Christopher Miller et Dave Callaham (Shang-Chi et la légende des dix anneaux) s'appuie intelligemment sur la base de ses personnages déjà établis, leurs relations et les conséquences continues du premier film pour explorer davantage la vie des super-héros adolescents secrets Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) et Miles Morales (Shameik Moore) un an après le premier film. Les scénaristes le font avec un programme clair non seulement pour se surpasser visuellement, mais en améliorant le jeu des tropes à plusieurs chronologies désormais familiers. Avec les talents de l'équipe de direction Joaquim Dos Santos (La légende de Korra), Kemp Powers (Soul) et Justin K. Thompson (Into the Spider-Verse), Across the Spider-Verse – à tous les niveaux – se balance pour les clôtures cinématographiques dans la suite rare qui donne l'impression que chaque image a été conçue avec l'intention d'essorer chaque émerveillement visuel et l'impact émotionnel que les animateurs, les interprètes et le médium même peuvent atteindre. L'animation hybride par ordinateur rencontre les techniques dessinées à la main établies dans les premiers films revient avec une exécution plus élégante qui est un peu plus agréable pour les yeux, ce qui permet aux animateurs d'être encore plus ambitieux avec leur éventail de techniques et de présentations centrées sur les personnages. La profondeur et l'étendue des styles d'animation et d'illustration sont à couper le souffle. Il y a des cadres dans lesquels vous voulez juste tomber, ils sont si joliment rendus et conçus. S'il y a une critique, c'est que les séquences plus centrées sur l'action sont presque trop détaillées, de sorte que l'incroyable travail des animateurs sort de l'écran si rapidement que vous avez l'impression de ne pas pouvoir apprécier pleinement tout ce qui vous arrive. En tant que film intermédiaire de la trilogie (Spider-Man : Beyond the Spider-Verse doit sortir en salles en 2024), c'est une joie de pouvoir dire qu'Across the Spider-Verse se tient bien à lui tout seul, au vu des mérites de son histoire et de ses enjeux. Il y a aussi un cliffhanger tueur qui prépare le terrain pour un troisième chapitre qui n'a pas l'impression de tromper son public comme certains autres films récents l'ont fait (toux Dune toux). En fait, répéter les visionnements de Across the Spider-Verse pour combler le fossé jusqu'au dernier épisode de l'année prochaine semble être une excellente façon de savourer ce film comme il le mérite si richement.—Tara Bennett

STILL: A Michael J. Fox MovieDate de sortie: 12 mai 2023 Réalisateur: Davis Guggenheim Classement: R Durée: 94 minutes

Qu'il s'agisse de son statut omniprésent de célébrité / mec mignon de Family Ties et des films Retour vers le futur dans les années 80 et 90 ou de ses plus de deux décennies en tant que visage public / défenseur de la maladie de Parkinson, Fox se sent certainement comme l'un des personnages les plus "vus" au monde. Il a également écrit quatre mémoires qui englobent sa carrière, sa vie de famille et sa vie avec la maladie de Parkinson. Tout cela soulève la question : que reste-t-il à un documentaire pour raconter sa vie ? La réponse est «beaucoup», comme en témoigne STILL: A Michael J. Fox Movie du réalisateur Davis Guggenheim (An Inconvenient Truth). Le doc intime mais vif donne à l'acteur de 61 ans l'opportunité de partager avec le public un regard inflexible, plein d'esprit et d'autodérision sur sa vie jusqu'à présent. Contrairement à d'autres documentaires de célébrités récents racontés dans la voix et avec le consentement de leurs sujets, comme Tina (2021) et le prochain Love to Love You, Donna Summer (2023) de HBO, STILL: A Michael J. Fox Movie ne souffre pas de se sentir comme il a été fortement organisé, ou même censuré pour éviter les sujets sensibles. Au crédit de Fox, il n'hésite pas à évaluer les erreurs de sa vie, de son comportement grossier précoce, qui est venu avec la célébrité, à son alcoolisme, qui découle de sa tentative de cacher son diagnostic. Et même avec un temps d'exécution serré de 95 minutes, Guggenheim rythme le doc pour atteindre la durée de la vie de Fox de manière égale et mesurée. Rien ne semble particulièrement survolé, et l'utilisation de tant de films et d'images d'archives a l'avantage supplémentaire de recontextualiser toute sa vie publique et sa carrière dans une compréhension plus intime de l'homme réel. STILL est un regard impressionnant, inspirant et parfois déchirant sur le voyage en cours de Fox, rendu d'autant plus puissant qu'il est raconté dans sa voix. —Tara Bennett

La vache qui a chanté une chanson vers le futurDate de sortie : 19 mai 2023 Réalisateur : Francisca Joy Stars : Leonor Varela, Mia Maestro, Alfredo Castro, Marcial Tagle, Enzo Ferrada, Luis Dubo Note : NR Durée : 98 minutes

Le réalisme magique rencontre la menace réelle d'une catastrophe environnementale dans The Cow Who Sang a Song Into the Future, le premier long métrage de la réalisatrice chilienne Francisca Alegría après le succès de son court métrage de 2017 And the Whole Sky Fit in the Dead Cow's Eye. Bien que le film puisse parfois sembler interminable - une situation difficile lors de la transition des courts métrages aux longs métrages - c'est une parabole enivrante et hypnotique pour les dommages écologiques irréparables que les humains ont commis, tout en insistant sur le fait qu'il n'est pas trop tard pour se connecter et se réconcilier avec la terre qui nous nourrit. Lorsque le ruissellement toxique d'une usine de cellulose commence à polluer la rivière Cruces dans le centre-sud verdoyant du Chili, les poissons commencent à mourir en masse. Alors que leurs cadavres flottent au-dessus de l'eau à la dérive et commencent à s'échouer, un hymne obsédant semble s'échapper de leurs lèvres sans vie. "Approchez-vous de nous", chantent-ils à l'unisson. « La fin est-elle proche ? Juste au moment où leur mélodie urgente se termine, une femme nommée Magdalena (Mia Maestro) jaillit des profondeurs de l'eau, les cheveux longs cascadant sur une veste en cuir et sa main agrippant un casque de moto. Elle halete pour respirer, rampant hors de la rivière tout en crachant de l'eau. Il s'avère qu'elle est décédée dans ces mêmes eaux des décennies plus tôt - sa mort a été considérée comme un suicide par la police locale - et a des affaires inachevées avec la famille qui a grandi et évolué pendant son absence prolongée. Lorsqu'elle entre dans un magasin d'électronique pour comparaître devant sa future veuve (Alfredo Castro), il subit immédiatement une crise cardiaque aiguë. Inquiète de l'insistance hystérique de son père pour que sa mère décédée soit revenue de la tombe, Cecelia (Leonor Varela) amène ses deux enfants passer du temps avec elle dans la ferme laitière familiale pendant qu'elle s'occupe du patriarche vieillissant. Peu savent-ils, les vaches ont aussi une chanson à chanter, et la présence de Magdalena est plus qu'une apparition d'un vieil homme. Bien que la prémisse fasse allusion à un film d'horreur, La vache qui a chanté une chanson dans le futur ne s'aventure jamais dans une vengeance surnaturelle. Au lieu de cela, le film incorpore les horreurs du monde qui nous entoure - écologique, politique, domestique - pour créer une fable moderne d'une immense culpabilité se transformant lentement au fil du temps en un déni paralysant, avec une résolution qui promeut le pouvoir prospère de l'expiation. La vache qui a chanté une chanson vers le futur est l'affirmation d'Alegría selon laquelle nous ne pouvons avancer qu'en affrontant et en protégeant franchement ce que nous avons précédemment nui. L'espoir est loin d'être perdu, malgré la prévalence d'un nihilisme environnemental découragé - la nature de la Terre est de se reproduire et de soutenir une nouvelle vie, un acte de culture qui est soit grandement encouragé, soit annulé par l'intervention humaine. Il n'est pas trop tard pour affronter, évaluer et réparer les dégâts que nous avons déjà causés, tant que nous ne sommes pas trop lâches pour admettre que nous avons sérieusement merdé. —Natalia Keogan

Licorne GuerresDate de sortie:10 mars 2023Directeur:Alberto VazquezÉtoiles:Jon Goiri, Jaione Insausti, Ramón Barea, Txema Regalado, Manu HerasNotation:NRDurée:92 minutes

Qui aurait cru qu'un film d'animation composé de soleil, d'arcs-en-ciel, de câlins et de bites d'ours en peluche pouvait être aussi sombre que Unicorn Wars ? Peut-être que ce dernier élément de la liste est un signe d'avertissement. Pour un indicateur plus important, regardez le réalisateur : Alberto Vázquez, l'esprit derrière Birdboy de 2015 : Les enfants oubliés. Ensemble, ces films font un beau double long métrage de grotesques, bien que comparé à Unicorn Wars, Birdboy est un épisode de Sesame Street. Une histoire sur la toxicomanie, les autorités corrompues et l'effondrement de l'environnement semble sombre sur le papier et joue sombre à l'écran, mais Unicorn Wars est plus que "sombre". C'est dérangé. La terre brûlée et les préjugés religieux relient ces deux films. Dans Unicorn Wars, le premier vient bien après le second, une croyance profondément enracinée en Dieu étant l'un des facteurs moteurs de nombreux conflits entre factions belligérantes : des licornes pacifiques vivant dans la forêt et des ours en peluche bellicistes. Ce n'est pas une métaphore. Il y a littéralement des ours en peluche. Les ours sont gouvernés par des durs à cuire fascistes qui tirent leur statut de la perpétuation de la guerre. Cela ne signifie pas que le film est trop sérieux pour profiter de son humour de toilette. Mais Unicorn Wars emballe soigneusement de grands thèmes significatifs dans un colis enrobé de bonbons, en utilisant le délire comme papier à bulles pour garder son contenu en sécurité. La fluidité de l'artisanat est aussi impressionnante que le talent de Vázquez pour les métaphores de cheval de Troie sur la condition humaine dans un film sur des ours en peluche poignardant des licornes et des licornes engloutissant des ours en peluche. Si c'était le tableau d'ensemble, alors Unicorn Wars mériterait toujours d'être regardé comme un exercice de cinéma de mauvais goût et d'animation gonzo, comme un épisode prolongé de Happy Tree Friends construit avec une réelle compétence. Aussi ridicule que cela puisse paraître, cependant, il y a plus dans la vision néon et gore de Vázquez que ses détails macabres ne le révèlent à première vue. Aussi ouvertement torride que puisse être son film, sous cette surface, il est carrément biblique.—Andy Crump

Walk UpDate de sortie : 7 avril 2023 Réalisateur : Hong Sang-soo Stars : Kwon Hae-hyo, Lee Hye-young, Park Mi-so, Song Seon-mi Classement : NR Durée : 97 minutes

Les influences sociales de son environnement, à savoir les différentes habitations que nous habitons, agissent comme un mécanisme de cadrage intelligent dans Walk Up du réalisateur sud-coréen Hong Sang-soo. Plus précisément, le film visite chaque appartement à plusieurs étages d'un immeuble particulier, les personnages se déplaçant soigneusement entre chaque résidence alors qu'ils naviguent entre les problèmes d'emploi personnels et les tensions relationnelles fluctuantes. Au fur et à mesure que Hong se fraye un chemin à travers le bâtiment, les liens interpersonnels entre les personnages changent - les romances s'épanouissent et pétillent, les liens familiaux se renforcent et se désintègrent, la dynamique du pouvoir de location s'adoucit avant de se détériorer - jusqu'à ce qu'ils se réinitialisent finalement, prêts à se déployer à nouveau. Le cinéaste Byung-soo (Kwon Hae-hyo) et sa fille Jeong-su (Park Mi-so) arrivent dans un immeuble appartenant à Mme Kim (Lee Hye-young), une vieille amie du réalisateur. Mme Kim fait visiter aux deux l'édifice de trois étages, qui abrite son propre studio de travail au sous-sol, sa propre résidence au premier étage, un restaurant intime appartenant à une femme nommée Sunhee (Song Seon-mi) et un appartement loué par un artiste reclus au niveau supérieur. Après être brièvement entrés dans chaque unité (et avoir probablement violé quelques contrats de location dans le processus), les trois se retirent dans l'appartement de Mme Kim pour une soirée à boire copieusement du vin. Alors que la jeune femme part chercher plus de vin dans un dépanneur, le segment suivant commence avec Byung-soo, Mme Kim et Sunhee prenant un repas au restaurant de ce dernier, où l'on retrouve la thèse du film sur l'art, le financement et l'impossibilité générale de la coexistence des deux - créativité et capital. "Pour eux, un film n'est qu'un moyen de gagner de l'argent", se lamente Byung-soo en révélant que son film le plus récent a été débranché quelques semaines seulement avant son entrée en production. "L'argent est la seule norme pour juger quoi que ce soit." De toute évidence, Hong traverse des déceptions personnelles en ce qui concerne sa propre métrique de "succès" ici. Au moment où Walk Up arrive à sa fin, tous les personnages apparaissent devant le bâtiment. Ils sont soit en route ailleurs, apparaissant pour une visite en retard ou retournant pour effectuer des tâches à l'intérieur. Ce dispositif est à l'image du tout début du film, et des relations fortifiées ou abandonnées depuis ont miraculeusement semblé régresser vers leur dynamique d'origine. Hong a-t-il simplement bouclé la boucle, préparant ces individus à revivre les événements précédents et peut-être à faire des choix différents ? Ou est-ce que l'étouffement de nos petits quartiers nous rend insensibles et égocentriques ? Quitter nos espaces les plus intimes nous permet-il d'embrasser des possibilités que nous considérions depuis comme fermées ou impossibles ? Sans les pressions imminentes du loyer, des installations de travail à domicile et des réunions d'affaires informelles, Hong suggère que nous pourrions enfin être libres.—Natalia Keogan

You Hurt My FeelingsDate de sortie : 26 mai 2023 Réalisateur : Nicole Holofcener Stars : Julia Louis-Dreyfus, Tobias Menzies, Michaela Watkins, Owen Teague, Arian Moayed, Jeannie Berlin Classement : R Durée : 93 minutes

Beth (Julia Louis-Dreyfus) surprend par hasard son mari thérapeute Don (Tobias Menzies) offrir une évaluation honnête et négative de son roman en cours, après avoir reçu de nombreux brouillons d'encouragement de sa part. Cette prémisse (ou quelque chose comme ça) a probablement été utilisée dans au moins trois sitcoms ; même ici, il met en scène l'un des grands interprètes de la forme dans Louis-Dreyfus. Mais tu blesses mes sentiments est également écrit et réalisé par Nicole Holofcener, experte dans la révélation des tensions invisibles qui se cachent derrière les subtilités sociales et relationnelles. Son dernier film est très drôle ; encore plus impressionnant, il transforme ce qui aurait pu représenter 22 minutes d'incompréhension et d'apprentissage en une véritable recherche ; Il s'avère que Tobias nourrit également une certaine insécurité professionnelle, et non sans raison. Alors sommes-nous vraiment aussi bons dans notre travail (et nos passions !) que nous l'imaginons, ou sommes-nous tous des incompétents peu sûrs d'eux qui se contentent des éloges stupides et malhonnêtes de nos proches ? La réponse se situe probablement quelque part entre les deux, mais Holofcener est suffisamment lucide pour accorder à cette dernière une considération étonnamment complète.—Jesse Hassenger

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